Making of de “El oso y la liebre” (The Bear & The Hare)

Para el anuncio de navidad de John Lewis llamado El oso y la liebre (The Bear & The Hare), los directores Elliot Dear e Yves Geleyn de Hornet y Blinkink respectivamente, tomaron los dos procesos de animación más tradicionales y consagrados – El stopmotion y la animación 2d tradicional dibujada a mano – y las han combinado para crear algo innovador y único.

Su objetivo era hacer casi todo a puerta cerrada, con iluminación real, la lente y el arte cinematográfico para construir un mundo el en que el público puede ver y sentir el minucioso trabajo detrás de él. La interacción física de la animación 2d junto a las imperfecciones humanas inherentes en el proceso, dieron lugar a la creación de una pieza hecha a mano llena de corazón e integridad.

 

Puedes ver el anuncio completo aquí: The Bear & The Hare

Lo vi en CGMeetup

8 lecciones creativas de un animador de Pixar

Bernhard Haux es un director técnico de personajes, lo que significa que modela los personajes y trabaja en sus emociones internas. Él es sólo una pequeña pieza en la gran máquina de Pixar, pero una pieza que también está al tanto de lo que hacen los demás. Bernhard ha trabajado en películas importantes como Up, Brave, Monsters University y otras en los últimos 6 años.

LECCIONES CREATIVAS

1. La tenacidad importa. Bernhard cuenta la historia de un amigo que hacía un dibujo todos los días, por más de 3 años. Para el final de ese tiempo se volvió increíblemente bueno y comparte una de las afirmaciones de Chuck Jones, el legendario animador de Looney Toons: “Tienes que hacer 100.000 dibujos malos antes de lograr un buen dibujo. Tal vez no seas muy bueno en algo cuando empiezas, pero si eres persistente y tenaz puedes llegar a ser increíblemente bueno.

2. El arte es el relato particular de la realidad. Cuando hablamos de dejar ir las ideas preconcebidas y dibujar lo que se ve, es preciso tener en cuenta la observación para capturar la mayor cantidad de detalles interesantes.

3. Alimentarse de las ideas de otros. Cuando los artistas de Pixar crean personajes, no se trata de un sólo artista que empieza a embozar cómo debería verse un personaje. Todos se sientan alrededor de una mesa, cada uno empieza a dibujar ideas, poniéndolas en el medio y otros toman esas ideas y las complementan. Docenas y docenas de bocetos resultan de este proceso, hasta que encuentran el que mejor funciona. Esto significa que la creatividad de cada uno se basa en la creatividad de todos los demás.

4. Dejar a un lado el ego. Imagínate si has puesto un gran dibujo en el montón y crees que es el que se debe utilizar. Sin embargo, debido a que muchos artistas talentosos están lanzando ideas para el montón, lo cierto es que no se utilizarán más ideas/bocetos . Muchos van a ser descartados. Si desea que su idea gane, lucharías por ella, pero esto sólo perjudica el proceso. Los animadores de Pixar tienen que dejar de lado sus egos y poner primero los intereses del proyecto. Creo que esto es cierto para cualquier proyecto creativo.

5. Todo el mundo debe conocer el objetivo del proyecto. Algunos estudios externalizan su trabajo de animación en el extranjero, pero a menudo los animadores no saben de qué se trata la película y realmente no se preocupan por el proceso final ya que sólo están haciendo una pequeña parte. Pero en Pixar todos los involucrados está empujando hacia adelante, tratando de crear la mejor película posible y se enorgullecen de esta misión. Eso significa que todo el mundo se invierte en la misión, todo el mundo realmente se preocupa por el trabajo que están produciendo y todo esto se ve reflejado en el resultado final.

6. Un montón de trabajo duro, resultados pequeños pero grandiosos. Cuando Pixar creó Valiente (Brave) se tuvieron que deshacer de bastantes escenas al final, pues si no se hubiera hecho de esta forma, la película tendría 5 veces más de duración. Dentro del material descartado había un montón de pequeñas bromas visuales que no saldrían en el resultado final. Esto quiere decir que todo el tiempo y enorme trabajo creativo fue excluido y sólo lo que más se destacó es lo que se ve en el producto terminado. Se trata de realizar muchas cosas increíbles para obtener muy poco, lo que significa que lo que vemos es de una calidad increíble.

7. Rodéate de héroes. Cuando Bernhard fue entrevistado en Pixar hace 6 años, le tomó todo el día. Las personas que lo entrevistaron era las mismas de su lista de héroes personales. Es con quien trabaja, los mejores del mundo. ¿Qué tan inspirador es eso? ¿Deberías saltar de tu cama cada mañana para conseguir trabajo, no? Por supuesto, no todos son tan afortunados, pero nosotros mismos podemos rodearnos con el trabajo de nuestros héroes y usarlos para inspirarnos, tal vez algún día podamos conocerlos. Dispara a las estrellas!

8. Ayuda a los que empiezan. Inspirar a los demás, dejar ir el ego, tomarse el tiempo para ayudar a los que empiezan y demostrarles que vale la pena la tenacidad. La pasión y los sueños son importantes para mantenerse vivo.

Enlace: 8 lecciones creativas de un animador de Pixar

Proceso de una animación Pixar – Monsters University

Hay un largo camino desde el storyboard hasta el resultado final. Cada escena de una película de Pixar pasa por un proceso de prueba y un verdadero desarrollo para lograr el aspecto deseado, la escritura del color y el esquema de iluminación. Echa un vistazo a todo el proceso para que tengas una idea de los pasos que intervienen en cada etapa del proceso de animación, lo que cambia y lo que sigue siendo igual, como el momento en que un boceto pasa del Departamento de Historia hasta el cuadro final en la gran pantalla. A continuación, echaremos un vistazo a cada paso en el proceso de animación…

Departamento de historia

El artista de historia de Pixar Dean Kelly dibujó este storyboard para ayudar a los artistas a pre-visualizar la acción de este momento particular de la película. Los artistas de historia crearon aproximamadamente 227,246 storyboards para Monsters University- más que cualquier otra película de Pixar hasta la fecha!

Departamento de arte

Una vez que se determina la secuencia de eventos, el departamento de arte determina el estilo y la sensación de la escena. Mediante el arte conceptual, artistas como Shelly Wan exploran la iluminación, las texturas, el estado de ánimo de los personajes y lugares en general.

Modelado

A continuación, los directores técnicos crean personajes y entornos en el ordenador con un proceso conocido como modelado. En el modelado, los directores técnicos diseñan las formas, texturas, colores y propiedades de los materiales de los personajes y objetos.

Layout o disposición

En la etapa de layout de la animación, una cámara virtual se coloca en un disparo. Los personajes y el set son entonces “escenificados” y dispuestos en posiciones diferentes para cada ángulo de la cámara.

Animación y Simulación

El departamento de animación luego anima a los personajes principales y secundarios y se encarga de añadir las texturas y los colores de la ropa y accesorios. La escena se llena con cientos de personajes de fondo, que son animados por el departamento de multitudes. El departamento de simulación diseña el movimiento realista del pelo y la ropa de los personajes a través de la simulación por computador para que se muevan de forma natural y creíble con las acciones de los personajes.

Iluminación/Resultado final

El último paso del proceso de animación se produce cuando el departamento de iluminación integra todos los elementos en una imagen final. La iluminación se consigue en el computador mediante la colocación de fuentes de luz en la escena para iluminar a los personajes y objetos. Monsters University es la primera película de Pixar en utilizar la iluminación global, que permite ajustes de iluminación más complejos y realistas.

Aprende más acerca del proceso de animación en Pixar.

Fuente | Disney Blogs

Shave It: un corto animado 3d con una explosión de colores vivos

Shave It viene de los directores Fernando Maldonado y Jorge Tereso de Buenos Aires, Argentina de 3dar Studios, que cuenta la historia de cómo un mono trató de cambiar el mundo. Los realizadores del corto animado explican:

Para nosotros, es una reflexión irónica sobre cómo la naturaleza se adapta a la invasión humana. Encontramos una gran inspiración en una ave amazónica: la lira, que imita los sonidos que oye en el ambiente.

Shave it from 3DAR on Vimeo.

Puedes ver los storyboards, dibujos, arte conceptual, diseño de personajes y demás elementos para la realización de ‘Shave it’ en el sitio web de 3dar Studios.

Warde: The Quest – Corto animado creado por Leo Burnett

Warde es el mayor distribuidor de telas en el Oriente Medio y África, y es conocido por su calidad y diseños en todo el mundo desde hace 130 años. El corto animado en 3d se trata de un mundo hecho de tejidos en el que todo tipo de animales se encuentran en la búsqueda de un hogar. La historia, las imágenes coloridas y la música encantadora hacen de este filme una excelente obra de arte.

Anunciante: Warde
Descripción del caso: Anuncio de Warde, tienda de telas libanesa – “El hogar es una búsqueda”.
Agencia: Leo Burnett, Beirut, Lebanon
Director Creativo: Bechara Mouzzannar
Director Creativo Asociado: Davina Attallah
Director de arte: Marya Ghazzaoui
Redactores: Grace Kassab, Samer Zouehid
Animación: Onesize
Música: MassiveMusic
Publicado: Febrero de 2013

Con el video de The Quest, la agencia Leo Burnett demuestra claramente que no es necesario emplear animales de verdad para crear anuncios originales y bellísimos.

Fuente | Adnimalsfree.org y AdsOfTheWorld

Cuento 3d con un enfoque único al diseño de personajes

Abel vive en el invierno y Apolline en el verano. Mira lo que sucede cuando se encuentran en esta impresionante animación 3d.

Creada por Je Regarde, Melting Prod y InEfecto y dirigida por Carlos De Carvalho y Aude Danset, su enfoque único y estilizado en el diseño de personajes se basa en una estética hecha a mano que es inquietante y evocadora.

La historia gira en torno a dos niños: Abel, quien vive en el invierno y Apolline que vive en el verano. Aislados en sus ‘naturalezas’, ellos no se conocen el uno al otro – se supone que no deberían conocerse.

Así que cuando Abel cruza la frontera y descubre a Apolline, la curiosidad es abrumadora. Su encuentro pronto se vuelve más complicado de lo que podrían imaginar. Ambos tendrán que aprender el compromiso de proteger al otro. Todo está muy bien hecho y hay un aspecto excelente en el detrás de cámaras de esta impecable obra en 3D:

Vía | CreativeBloq

Pixar revela el logo de su nueva película Buscando a Dory

Si eres un fan de las clásicas películas 3d de Disney/Pixar, te complacerá saber que están trabajando arduamente y preparándose para traer de vuelta a Nemo, Marlín y por supuesto, Dory (voz por Ellen DeGeneres) en la secuela de su clásica película “Buscando a Nemo” (“Finding Nemo”) que llegará a los cines en Noviembre de 2015. Mira el nuevo logo de la secuela llamada “Buscando a Dory” (“Finding Dory”).

¿Será cierto o será sólo otra broma del April Fool’s Day?

La acción de “Buscando a Dory” tendrá lugar en la costa californiana e introducirá a nuevos personajes que juegan un papel importante en la vida de Dory.

“Buscando a Nemo” obtuvo el Óscar a la mejor película de animación e ingresó más de 900 millones de dólares en la taquilla mundial.

Diseño del logo

El logo de la película “Finding Dory” es una adaptación del original, con el uso de la conocida ola para subrayar el logotipo y la sutil silueta de pez para ahuecar la ‘O’. Es bueno ver los logos tanto de Disney como de Pixar ubicados en la parte superior de nuevo, después de que las dos compañías se separaron para seguir una serie de proyectos de animación individuales.

Si te gusta la tipografía del logotipo, puedes descargar gratis Findet Nemo, una fuente similar creada por Jens R. Ziehn.

Descarga gratuita | Fuente Findet Nemo

Vía | Disney Blogs y eltiempolatino

+40 tutoriales de Autodesk 3d max para principiantes y avanzados

Autodesk 3ds Max, (anteriormente conocido como 3D Studio MAX) es un software que modela, anima y hace que cualquier diseño tenga un aspecto más realista. En la actualidad, más y más diseñadores están dominando este software para ampliar sus conocimientos y explorar las posibilidades de diseño especialmente hoy en día que casi todo es en 3D.

Para ayudar a aquellos diseñadores que aspiran a dominar diseños en 3D, comparto estos +40 tutoriales de Autodesk 3d max para principiantes y avanzados. La lista se compone de varias técnicas que puedes necesitar utilizar en la creación de gráficos en 3D con la ayuda de otros programas como Photoshop, Zbrush y algún plugin especial como V-ray para mejorar el resultado. Para los usuarios avanzados, sin embargo, este post puede ser utilizado para repasar las técnicas que ha aprendido antes o puedes también encontrar nuevos consejos e innovadores tips compartidos por cada autor. Diviértete aprendiendo!


Enlace | +40 tutoriales de Autodesk 3d max para principiantes y avanzados